Del Renacimiento al Rococó

Renacimiento

Después de las invasiones de los pueblos germánicos y el establecimiento del arte gótico o ‘bárbaro’, los italianos piensan que es tiempo de recuperar la grandeza que antes había existido en Roma. El Renacimiento es una etapa de restauración; de un nuevo nacimiento del arte que se da entre los siglos XV (Quattrocento) y XVI (Cinquecento). Su máxima expresión ocurre en Florencia, Italia y posteriormente se extiende sobretodo en Francia y España.

El regreso a las formas del arte antiguo trajo consigo importantes cambios: el paso de una cultura teocéntrica a una antropocentrista en la cual el hombre es considerado como centro y medida del mundo. Asimismo, la imagen del artista se vuelve humanista; es decir, posee libertad de pensamiento, amor por la naturaleza y es cultivador de conocimientos.

Durante este tiempo, sobresalen figuras importantes dentro de diversos ámbitos como Copérnico en astronomía, Maquiavelo en política y Erasmo en ética, entre otros. La importancia del individuo y su personalidad son enaltecidas y se valora la genialidad artística que se ve apoyada por los mecenas.

El apogeo del Renacimiento se da durante el Cinquecento con una visión hacia un arte más clásico y un mecenazgo casi exclusivo del papado.  En este tiempo se destacan Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. La crisis comienza a partir de la segunda mitad del siglo XVI cuando al mismo tiempo se vive la Reforma y Contrarreforma católicas.

 

Arquitectura

La arquitectura renacentista se basa en la racionalidad de la Antigüedad; toma como inspiración los escritos de Vitrubio. Los arquitectos se dedican a estudiar las ruinas grecorromanas así como las imágenes reproducidas en las monedas antiguas. Los elementos estructurales clásicos como los arcos de medio punto, entablamentos, frontones, cúpulas y pilastras  fueron revitalizados. Los medallones, guirnaldas, putti (querubines) y grutescos se integraron como componentes decorativos. Una creación importante de este periodo es el palacio.

La arquitectura toma en cuenta la sección áurea; considera la proporción, unidad, orden y simetría. Este concepto parte de Vitrubio quien dice que los edificios son bellos por los elementos que lo conforman, por su disposición y su funcionalidad. Las construcciones se centran en el hombre y están hechas a su medida.

Entre los más grandes arquitectos florentinos del Quatrocento destacan Brunelleschi (a quien se le atribuye también la invención de la perspectiva) y Michelozzo, Alberti, B. da Maiano y G. da Sangallo.  En el Cinquecento, el centro artístico se convierte en Roma. Aquí encontramos obras de Bramante, Rafael y Miguel Ángel.

 

Filipo Brunelleschi. Duomo de Florencia. h 1420-1436. Presenta elementos góticos pero la cúpula representa un nuevo modo de construcción.

 

 

Escultura

Continúa con el arte clásico y cristiano. Su contemplación genera placer visual, el tema central es el hombre y presta gran atención a su anatomía. Los rasgos serán individuales e identificadores lo cual originará el éxito del retrato. En el Quattrocento, las estatuas tienen una posición frontal. Los principales artistas son Brunelleschi, Ghiberti y Donatello. Posteriormente, Verrochio y Miguel Ángel (máximo exponente).

Miguel Ángel. Mausoleo Julio II. San Pietro in Vincoli, Roma. En esta obra Miguel Ángel esconde influencias protestantes en la simbología. Moisés mira hacia un lado, buscando la luz (Dios) que se relaciona de manera directa con el hombre.

 

Pintura

Imita la naturaleza y se adueña de la realidad. Adquiere importancia en el desarrollo de la profundidad, expresividad y movimiento. La belleza de las obras se basa en un sistema de proporción y en la perspectiva. Las temáticas incluyen: religión, retrato y mitología. Las técnicas empleadas son el fresco, el temple y el óleo (inventado por van Eyck). Algunos artistas destacados en el Quattrocento son: Masaccio, Fillipo Lippi, Fra Angélico, Sandro Boticelli, Andrea Mantegna. En el Cinquecento aparecen Leonardo, Rafael y Miguel Ángel (pertenecientes a la escuela florentina-romana) así como  G. Bellini, Giorgione y Tiziano (pertenecientes a la escuela veneciana).

 

Sandro Boticelli. El nacimiento de Venus. h. 1485. Temple sobre lienzo. Galería Uffizi, Florencia. La figura de Venus presenta un cuello antinatural y su brazo izquierdo se presenta de modo extraño, sin embargo resulta una silueta graciosa y armónica.

leonardo da Vinci. Monalisa. 1502. Museo de Louvre, Paris. Técnica de sfumato. Leonardo era un gran observador de la naturaleza, esto lo vemos en el gran detalle de las mangas y de las manos. 

 Manierismo

Después de la muerte de los grandes artistas del Cinquecento, se preguntaban si aún quedaba algo por hacer en el arte. Algunos se dedicaron a copiar el trabajo de Miguel Ángel y los grandes sin tomar en cuenta el espíritu de sus obras. Los nuevos artistas buscaron sobrepasar a los maestros a través de experimentaciones que resultaban excéntricas.

De acuerdo con Grombich, durante sus últimos tiempos, Miguel Ángel buscó nuevas formas y modos de expresión dejando a un lado la tradición clásica. El manierismo se desarrolla en un momento de conflictos políticos, económicos, científicos y religiosos que destruyen con el optimismo del hombre renacentista.

Es un estilo que se extiende de forma rápida por toda Europa y presenta características diversas en cada país. No existe una regla básica que distinga las obras manieristas pero, en general, se puede decir que se utilizan temas del Clasicismo distorsionados, extravagantes, caprichosos y monstruosos. Del mismo modo, las obras poseen un carácter cerebral e intelectual.

 

Arquitectura

Se utilizan los elementos arquitectónicos de forma libre, no existe una armonía ni un orden; las formas contienen tensión y una gran libertad decorativa. Se generan nuevas relaciones dinámicas en los espacios interiores, exteriores y artificiales. Algunos artistas son: Giulio Romano, Sebastiano Serlio, Giacomo Barozzi da Vignola y Andrea Palladio.

Giulio Romano. Palacio del Té. 1524 – 1534.  Mantua. Todas sus fachadas son diferentes; cada una tiene diversas texturas y elementos clásicos.

Escultura

Se caracteriza por el uso de ornamentación y formas serpenteantes que ocasionan desequilibrio. Destacan artistas como Bandinelli, Ammannati, Cellini y Giambologna cuyas obras poseen expresiones intelectuales.

Benvenuto Cellini. Salero, 1543. Museo del Arte Histórico, Viena. Representa el mar y la tierra en formas humanas. Fue hecho para el rey de Francia.

Pintura

Entre sus características, se distinguen: el horror vacui con la acumulación de objetos y la distribución de figuras a manera apretada. Los personajes presentan cuerpos alargados, se pintan temas no siempre agradables, existe una variedad de ángulos dentro de la composición y se utilizan tonos fríos.

Pueden destacarse artistas como Coreggio, Parmigianino, Tintoretto, y el Greco.

El Greco. La apertura del quinto sello del Apocalipsis. h, 1608 – 1614. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. El artista representa temas sagrados de una manera llena de agitación y color.

 

 

Barroco

Este estilo se desarrolló durante 50 años; desde 1620 hasta 1670. A partir del concilio de Trento, su función principal fue servir al pueblo. La Iglesia ve en el Arte una forma de expresar su doctrina y construye iglesias por todas partes. Los jesuitas proveen una nueva iconografía cuyo propósito fue enaltecer la fe.

 

Arquitectura

Aquí se presenta su manifestación más llamativa. En este ámbito, el inicio del Barroco comienza alrededor de 1630 y finaliza en 1750. Algunas de sus características son: plantas y alzados en movimiento, la forma de las construcciones está hecha de modo que parezca más grande de lo que en realidad es y además produce placer a los paseantes y acentúa otras sensaciones. Utiliza formas curvas, ovaladas, elípticas y onduladas. Su propósito es atraer a los fieles a través del lujo, la fachada llamativa y la grandiosidad de los espacios interiores en las iglesias.

Los centros artísticos del Barroco se presentan en Italia, España, Francia, Inglaterra y Europa central, cada una presenta diversas peculiaridades.

 

Giacomo de la Porta. Iglesia de Il Gesú, Roma. 1575 – 1577. Iglesia de barroco temprano. Se observa que las columnas están repetidas y se utiliza una nueva forma de volutas que da unidad el conjunto.

Escultura

A diferencia de la escultura de equilibrio del Renacimiento y de la tensión las obras manieristas,  las barrocas son esculturas de movimiento pues su composición contiene aspas, paños flotantes y ademanes gesticulantes. Las esculturas barrocas son de carácter urbano y funerario; se preocupan por representar la realidad. Emplean materiales como mármol, bronce y madera policromada, las superficies son tratadas de manera diversa. La temática es variada.

Destacan artistas Italianos como: Bernini Algardi, Duquesnoy

En Francia: F. Girardon, Coysevox, Pierre Puget.

En España: Gregorio Fernández, Martínez Montañés, Alonso Cano y Pedro Mena.

 

 

Bernini. Éxtasis de Santa Teresa, 1645 – 1652. Capilla Coronaro, iglesia de Santa María de la Victoria, Roma. La obra tiene un carácter teatral. La flecha del ángel representa una caricia de Dios.

 

 

Pintura

Italia es el líder en la difusión de los estilos del Barroco. El realismo y la luz son las principales características. La perspectiva aérea y la fantástica adquieren importancia, al igual que los temas religiosos, la iconografía es enriquecida con el ataque al protestantismo.

En Italia destacan artistas como: Caravaggio y los Carracci.

En los Países Bajos: Rubens, Van Dyck y Jordaens.

En Holanda: Rembrandt, Hals y Vermeer

En Francia: George de la Tour y Poussin

En España: José Ribera, Zurbarán,  Murillo, Valdés Leal y Velázquez

Caravaggio. La incredulidad de Santo Tomás. 1602-1603. Palacio Institucional y Jardines de Sanssouci, Postdam. El artista deseaba pintar la verdad a su manera. Algunos consideraban que su propósito era horrorizar al público.

Pedro Pablo Rubens. Las tres Gracias. Museo del Prado. Su objetivo fue pintar lo que le gustase.

 

Rembrandt. La lección de anatomía del doctor Tulp. Fundación de Johan Maurits, La Haya.

Diego Velázquez. Las meninas. 1656. Museo del Prado, Madrid. Se puede ver a Velázquez trabajando en un cuadro mientras que por el espejo se ve al Rey la Reina posando.

Rococó

Es un arte de libertad creativa que surge como respuesta de calma al entorno en que vivía la sociedad barroca. Durante este tiempo, se desarrolla la ciencia y la tecnología, la burguesía adquiere auge y se originan nuevos tipos de pintura, tapices y alfombras. Además, la mujer alcanza mayor importancia. Este estilo es desarrollado en Francia durante el periodo de reinado de Luis XV y Luis XVI y está relacionado con la aristocracia.

La fragilidad, gracia y ligereza son sus principales características, el rocaille se destaca en todos los ámbitos decorativos. Puede decirse que es un ‘arte de salón’. El rococó se expresa en el mobiliario a través de formas flexibles y curvas. Se utiliza la cerámica autóctona, se desarrollan la cristalería y orfebrería, así como en España, la platería. También se crean fábricas de tapicería.

Arquitectura

Ésta es visible en la alta sociedad. Las construcciones suelen ser de dos pisos, la altura del tejado es rebajada y el ladrillo se reemplaza por la piedra. La función de los edificios determinará la distribución y decoración del interior. Hay una gran expresión de luz, color y ondas que dan a las construcciones elegancia.

En Francia destaca: Jacques Gabriel

En Europa Central: F. Cuvillies

Cuvillies. Teatro de la Residencia. Munich.

Escultura

En Francia existen magníficos monumentos sepulcrales y estatuas conmemorativas. Destacan artistas como: Bouchardon, Pigalle y Falconet.

En Alemania existe una unión entre la tradición italiana y la francesa. Se juega con las formas, la luz y los estucos. La kleinplastic en porcelana adquiere importancia.

En España, la Academia de San Fernando renueva la escultura en madera. Continúa la tradición ‘imaginera’.

 

Ignaz Günther. Tobías y el ángel. Burgesaat Munich.

Pintura

En Francia surge el coleccionismo de cuadros pequeños con escenas galantes. Destacan artistas como: Watteau, Boucher y Fragonard.

En Inglaterra,  surge un nuevo arte de retrato y paisaje. Destacan: Hogarth, Reynolds y Gainsborough.

En Italia, destacan Tiépolo, Canaletto y Guardi.

En España, se distinguen Peret y Alcázar, Meléndez y los Bayeu.

Boucher. Diana en el baño. Museo de Louvre, Paris. 

 

 Referencias

Imágenes

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