La Segunda Guerra Mundial permitió el desarrollo del diseño industrial en los países involucrados; sobretodo en Alemania, Italia y Estados Unidos. Se lograron avances tecnológicos debido a la actividad militar, la industrialización dominaba la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, también seguía existiendo cierto miedo e intranquilidad por los conflictos anteriores.
La cultura de este tiempo se vio afectada por la Guerra Fría que no sólo la vivieron las dos superpotencias de la posguerra (Estados Unidos y La la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas), también otras partes del mundo. A pesar de esta situación, en los años 50s se advirtió un importante crecimiento económico pues la tecnología se enfocó en la industria de consumo.
Hubo avances en el área de aviación, en la producción de plásticos, componentes electrónicos y de armamento. Los jóvenes de la época más que otras generaciones, deseaban adquirir nuevos artículos de consumo que los distinguieran.
Contexto artístico
Expresionismo Abstracto (1940 – 1960)
Se trata de una corriente nacida en Estados Unidos en donde Nueva York floreció como el centro cultural internacional. Los artistas trataron de expresar de forma espontánea y abstracta las sensaciones dentro de ellos mismos. Los antecesores como Van Gogh y Gauguin, así como los fauves y los surrealistas fueron la principal fuente de inspiración.
En Estados Unidos, existieron dos vertientes dentro de esta corriente: ‘Action painters’ y ‘Color Field painters’. Los primeros se enfocaban en la actitud del pincel y la textura. Destacan: Jackson Pollock, William de Kooning y Franz Kline. Los segundos, consideraron la abstracción de signos e imágenes a través de áreas de color. Sobresalen: Mark Rothko, Adoplh Gottlieb, Robert Motherwell y Clyfford Still.
El arte informal (1940 – 1960)
Es un movimiento que surge en Europa. El arte informal buscaba fuerza en el modo de pintar, el poder expresivo a través del uso de distintos materiales y la crítica social. Fue una corriente subjetiva que exaltaba lo individual y lo auténtico. No existe uniformidad en el estilo, sin embargo, todos los artistas destruyen las formas. Se distinguen: Jean Fautrier y Jean Dubuffet representantes del Art Brut.
Diseño Orgánico (1950 – 1960)
Se manifiesta en conjunto con la arquitectura orgánica desarrollada por Frank Wright y Charles Rennie Mackintosh a finales del siglo XIX. Las construcciones debían conectar tanto de forma visual como funcional. Otro de los precursores de este movimiento es Alvar Aalto quien influyó en Charles y Ray Eames posteriormente. El diseño orgánico aparece en varios países: principalmente en Italia, Estados Unidos al igual que en los países escandinavos.
El diseño orgánico se basa en la funcionalidad y belleza de la naturaleza. Las obras utilizan líneas curvas fluidas y ergonómicas. Existe un juego entre las formas cóncavas y convexas, superficies planas y huecos, así como formas alargadas – delgadas y anchas – bajas. En cuanto a la iconografía, se distinguen insectos y otros animales. Encontramos elementos abstractos y componentes cuya fuente de inspiración es la ciencia. Se utilizan materiales como varillas de acero, contrachapados moldeados, maderas laminadas y plásticos con colores diversos.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como la Trienal de Milán y el Festival de Inglaterra promocionaron el estilo a nivel internacional. En 1940, se celebró la exposición ‘Organic Design in Home Furnishing’ en MOMA. El objetivo era exhibir muebles orgánicos ya fuese en su forma o en sus materiales. Eero Saarinen y Charles Eames trabajaron en conjunto para realizar la butaca de madera contrachapada y ganaron la categoría de ‘asientos para salón’.
En Italia, destaca el diseñador Gio Ponti quien realizó un gran esfuerzo en el diseño italiano de posguerra. En Dimamarca, Arne Jacobsen introdujo el estilo moderno; una de sus obras más importantes es el Royal Hotel de Copenhague. Además, creó las sillas ‘Swan y Egg’, así como ‘Ant y Series’.
Biomorfismo (1935 – 1955)
Conocido también como ‘zoomorfismo’ y ‘neorganicismo’, es una combinación de formas basadas en la naturaleza realizadas con materiales tecnológicos. Los diseños de mobiliario del italiano Carlo Mollino lograron difundir el estilo.
Estilo Contemporáneo (1945 – 1960)
Originado en Reino Unido. Combina formas naturales con colores vivos. Aprovecha los avances tecnológicos en la realización de las obras. El mobiliario se caracteriza por el uso de varas de metal finas y madera pálida.
La escuela de Ulm (1955 – 1968)
En contraste con el diseño orgánico, en Alemania surgió una tendencia de diseño distinta. La escuela de Ulm, abierta de forma oficial en 1955, tenía como objetivo transformar la actitud de la sociedad de la época. Los fundadores fueron Inge Scholl y Otl Aicher. Max Bill quien había estudiado en la Bauhaus diseñó el edificio y posteriormente se convirtió en el director. Hans Gugelot estuvo a cargo del departamento de diseño de producto.
Al principio, la escuela tuvo como propósito ser una continuidad de la Bauhaus, pero con el incremento de la tecnología y los avances científicos, la ideología inicial cambió y la escuela optó por un enfoque menos artístico. El diseño practicado en Ulm buscaba ser muy funcional; las formas utilizadas eran simples y elegantes con colores neutros. Además, su objetivo fue desarrollar proyectos que tomaran en cuenta aspectos ambientales y sociales. Ulm formaba a diseñadores capaces de trabajar con profesionistas de diversas disciplinas.
Un motivo de su gran fama fue debido a la participación de sus alumnos en la compañía de diseño Braun. La escuela de Ulm tuvo impacto en Latinoamérica (Chile, Argentina y México) a través de figuras como Tomás Maldonado y Gui Bonsiepe.
Diseño en México
Durante la década de 1950 se dio una gran actividad en el arte mexicano. Destaca el pintor Rufino Tamayo que fusionó el arte con la artesanía tradicional y algunos rasgos vanguardistas. También sobresale el pintor guatemalteco Carlos Mérida, quien utiliza elementos prehispánicos de forma abstracta y se distingue por sus trabajos muralistas en vitromosaico.
En este tiempo, se dio mayor importancia a la artesanía mexicana. Uno de los objetivos del periodo fue integrar las diferentes expresiones artísticas: escultura, pintura, arquitectura. La ‘Exposición El Arte en la Vida Diaria’, la revista ‘Espacios’, los Talleres de Artesanos y el Centro Superior de Artes Aplicadas fueron los medios que dieron fuerza al diseño mexicano de la época. Destaca el trabajo de Clara Porset Daumas en mobiliario, la orfebrería de Ricardo Salas Poulat, el taller de platería de los hermanos Castillo y el taller de vidrio soplado de los hermanos Ávalos.
En arquitectura, el ejemplo más sobresaliente de la integración de las artes es la construcción de la Ciudad Universitaria en Ciudad de México.
Referencias
malinaligonzalez 
